Det kræver en førsteklasses instruktør at fortælle denne besynderlige historie med dybde og humor og samtidig overvinde operaens elementer af racisme og sexisme.

Af Andrew Mellor

Enhver der har set filmen ‘Amadeus’ ved, at Mozarts sidste opera var anderledes end de foregående. ‘Tryllefløjten’ blev ikke skrevet til overklassen eller til et operahus, men til et teater i udkanten af Wien, som blev besøgt af jævne mennesker, der ville underholdes. Mozart forenklede derfor sit harmoniske sprog og løftede orkestreringen en ekstra tand, hvilket resulterede i noget af det mest destillerede og smukke musik, han overhovedet komponerede. En engelsk anmelder sagde engang, at ‘Tryllefløjten’ er »den eneste eksisterende opera, som muligvis kunne være skrevet af Gud«.

I så fald en gud med humoristisk sans. Operaens komiske ingredienser er i mange nyere opsætninger blevet fremhævet på bekostning af værkets varme glød og dybe budskab. Det tager en førsteklasses instruktør at fortælle denne bizarre og allegoriske historie med ærlighed, dybde og humor, samtidig med at vedkommende skal overvinde operaens underlige elementer af racisme og sexisme og desuden holde den oppustede handling i anden sats kørende. Mario Artuto Marelli er tydeligvis i denne klasse. Hans opsætning på Det Kgl. Teater fra 2015, i denne omgang genopsat af Enrico De Feo, rammer den perfekte balance mellem populær underholdning og absolut skønhed.

Det hele indledes med et intelligent teatergreb. Normalt, når en instruktør vælger at præsentere en idé under en Mozart-overture, er resultatet en rodet affære. Under ‘Tryllefløjten’s hektiske ouverture viser Marelli os et tableau, der forbliver statisk, og som forstærker, det vi hører. Tæppet trækkes til side og afslører en scene, der minder om et klassisk dødsmaleri, inklusiv de tre drenge, som alle ligner Mozart, liggende kollapset og udmattede på scenen. Det er et direkte visuelt modspil til den musikalske energi, vi hører nede fra orkestergraven. Scenen er skabt til at introducere magtkampen mellem Sarastro og Nattens dronning, men det fortæller os også, at vi kan vente os en aften fuld af blid ironi, milde vittigheder og virilt musikerskab.

Marellis enkle geometriske scenografi, meget lig Mozarts musik, kan virke vildledende, men den har en kompleks kerne, som giver rig mulighed for bevægelse og vitalitet. Ord som også kan bruges til at beskrive Joana Mallwitz’ ekstraordinære direktion af Det Kgl. Kapel. Det er med tungen i kinden, når Marelli præsenterer os for Mozarts dræberslange og præsteskabet. Han har en bevægende løsning, når det kommer til rettergangen med ild og vand, som typisk giver instruktører ekstra grå hår, og han lader operaens uafklarede afslutning tale for sig selv. I den anden ende af skalaen præsenterer han stykkets egentlige helt, Papageno, som en elskelig og almindelig mand frem for en tåbelig klovn.

Baryton Palle Knudsen spiller rollen med mere urban selvsikkerhed, end man er vant til. Han taler til publikum på dansk, og hans sang er charmerende. Serenad Burcu Uyar rammer de høje toner med præcision og styrke i Nattens dronnings berømte ‘Die Hölle Rache’, men mærkeligt nok giver resten af arien hende problemer. Johan Reuters gæsteoptræden som den gråhårede taler er udsøgt.

David Danholt og Sine Bundgaard som Tamino og Pamina imponerer ikke helt så meget. Han er lidt anstrengt og hendes stemme er for tung til rollen. Henning von Schulman har meget lidt af den vokale soberhed, vi forbinder med Sarastro, men med instruktør Marellis bud på karakteren, som en gammel hippie, er hans lettere tilgang plausibel. Randi Stene, Susanne Resmark og Lisa Tjavle byder på perfekt timing og fine detaljer som de tre damer, og jeg har aldrig hørt de tre drenges sang lyde så selvsikkert eller naturligt musikalsk. Hvad angår Det Kgl. Operakor, så bruger de for megen energi på vokalkraft og for lidt på at formidle følsomhed og varme undervejs.

Tryllefløjten
Operaen, Kbh., 25.11.17

– o –

An Intelligent Magic Flute | Operareview

It takes a first-rate director to tell this bizarre allegorical story with profundity and humor while overcoming its elements of racism and sexism.

By Andrew Mellor

Anyone who has seen the film Amadeus knows that Mozart’s last opera was designed to be different. The Magic Flute wasn’t written for aristocrats, nor for an opera house, but for a suburban theatre on the edge of Vienna visited by ordinary people who wanted to be entertained. Mozart simplified his harmonic language but polished his orchestration, resulting in some of the most distilled and beautiful music he would write. An English critic once said that The Magic Flute is »the only opera in existence that might conceivably have been written by God«.

God with a sense of humor, that is. The Magic Flute’s comic ingredients have been pushed to the forefront of many productions recently, sometimes to the detriment of the work’s warm glow and profound message. It takes a first-rate director to tell this bizarre allegorical story with honesty, profundity and humor while overcoming its strange elements of racism and sexism and keeping the turgid second act alive. Mario Artuto Marelli is clearly such a director. His 2015 production for the Royal Opera, revived for the first time here by Enrico De Feo, strikes the perfect balance between popular entertainment and absolute beauty.

It starts with an act of real theatrical intelligence. Usually when a director opts to project an idea over one of Mozart’s overtures, the result is distracting mess. Over Tryllefløjten’s bustling prelude, Marelli shows us a tableau that remains mostly static and concentrates the ear. The curtain shoots momentarily upwards to reveal a scene reminiscent of a Classical death painting, including the Three Boys, resembling Mozart himself, collapsed exhausted at the front of the stage. It is a direct visual counterpoint to the energy of the music we are hearing. The scene is designed to introduce the power struggle between the characters of Sarastro and the Queen of the Night. But it tells us we are in for an evening full of light ironies, gentle jokes and virile musicianship.

Marelli’s geometric set, like Mozart’s music, can appear deceptively simple but has a complex scheme at its heart. It allows for constant movement and vitality, which are words that can also be used to describe Joana Mallwitz’s exceptional conducting. Marelli has his tongue in his cheek when we encounter Mozart’s killer snake and his tribe of priests. He has a moving solution for staging the trials by fire and water, which have stumped many a director. He lets the opera’s inconclusive ending speak for itself. At the other end of the scale, he makes the real hero of the play, Papageno, into a lovable everyman more than a foolish clown.

Palle Knudsen plays that role with more urbane confidence than we are used to. He speaks to the audience in Danish, and his singing is suave. Serenad Burcu Uyar hits the high notes with precision and power in the Queen of the Night’s famous aria ‘Die Hölle Rache’, but it’s odd that the rest of the aria causes her problems. Johan Reuter’s cameo as the grey-haired Speaker is exquisite.

David Danholt and Sine Bundgaard as Tamino and Pamina don’t impress quite so much. He is a little strained and hers is a heavy voice for the role. Henning von Schulman has little of the vocal gravitas we associate with Sarastro, but with Marelli’s vision of the character as an old hippie his lighter approach is plausible. Randi Stene, Susanne Resmark and Lisa Tjavle offer perfect timing and fine detail as the Three Ladies and I have never heard the Three Boys sound so confident or naturally musical . If there’s one oddity that could be addressed, it’s that the Royal Opera Chorus sing with too much brawn and muscle and too little sensitivity and warmth.

The Magic Flute
Operaen, Cph., 25.11.17

Foto: Miklos Szabo DKT

Læs også: Når virkeligheden trænger sig på | Operaanmeldelse